Œuvre d'art participative : quand le visiteur fait l'œuvre

Devant la plupart des œuvres, on se tient à distance : on regarde, on s'approche, on repart, et l'œuvre reste identique. Une œuvre d'art participative renverse ce rapport. Elle confie au public une part de sa réalisation, si bien que sans lui, elle demeure une proposition en attente, un cadre vide, une partition que personne ne joue.

Ce qu'on appelle art participatif

L'art participatif désigne les œuvres dont la forme finale dépend de l'action du public. Cette action peut être minime (prendre un objet, déplacer un élément, laisser une trace) ou considérable (contribuer à une construction, prendre part à un repas, accomplir un geste demandé par l'artiste).

Il est utile de le distinguer de deux notions voisines. L'œuvre interactive répond au visiteur, souvent par l'intermédiaire d'une machine : un capteur détecte, un programme réagit. Notre article sur la définition de l'art interactif détaille ce fonctionnement. L'œuvre collective, elle, est créée par plusieurs auteurs qui se reconnaissent comme tels ; nous l'abordons dans créer une œuvre à plusieurs. L'œuvre participative se situe entre les deux : un artiste en fixe le cadre, le public en accomplit une part décisive.

Les origines de l'œuvre d'art participative

Le happening et Fluxus

À la fin des années 1950, Allan Kaprow imagine les happenings, événements où les spectateurs reçoivent des consignes et deviennent acteurs. Le mouvement Fluxus, dans les années 1960, prolonge cette idée avec des partitions d'actions simples que chacun peut exécuter. L'œuvre n'est plus un objet mais un ensemble d'instructions à mettre en acte.

Le corps du public

Au Brésil, Lygia Clark et Hélio Oiticica conçoivent des objets à manipuler et des vêtements à porter, les Parangolés d'Oiticica, qui n'existent pleinement qu'en mouvement, sur un corps. En 1964, Yoko Ono présente Cut Piece : assise sur une scène, elle invite le public à découper ses vêtements avec des ciseaux. La performance met à nu la responsabilité de chacun lorsqu'on lui donne le pouvoir d'agir.

L'esthétique relationnelle

Dans les années 1990, le critique Nicolas Bourriaud forge l'expression d'esthétique relationnelle pour décrire des œuvres dont la matière est la relation entre les personnes. L'exemple souvent cité est celui de Rirkrit Tiravanija, qui cuisine et sert des repas dans des galeries : l'œuvre, c'est la rencontre qui s'y produit.

Les grandes formes de la participation

• Prendre : l'œuvre se compose d'éléments que le public emporte, et sa disparition progressive fait partie de son sens. Les piles de bonbons de Felix Gonzalez-Torres, que chacun peut entamer et que l'institution reconstitue, en sont l'exemple le plus connu.
• Ajouter : chacun laisse une trace, un mot, un objet, un geste, et l'œuvre s'accumule au fil des visites.
• Activer : l'œuvre attend une action pour se déclencher, se transformer ou se révéler.
• Habiter : l'œuvre est un lieu ou une situation dans lesquels la présence même du public constitue le contenu.
• Composer : le visiteur reçoit des éléments et un cadre, et produit une forme qui lui est propre.

Ce que la participation change, et ses limites

Pour le visiteur, la meilleure attitude consiste à lire les règles avant d'agir, puis à se demander ce que l'artiste a laissé ouvert. Ce qui est permis, ce qui est interdit et ce qui n'est pas précisé disent souvent l'essentiel de l'intention.

La participation modifie d'abord la question de l'auteur. L'artiste reste celui qui conçoit le dispositif et en fixe les règles, mais il renonce à contrôler le résultat. Chaque version de l'œuvre est singulière, et certaines le surprendront. C'est précisément ce risque qui fait la valeur du dispositif : une œuvre dont l'issue serait entièrement prévue n'aurait pas besoin du public.

Elle modifie ensuite la nature de l'expérience. On ne se souvient pas de la même manière d'une œuvre regardée et d'une œuvre faite. L'action engage le corps, l'attention, parfois la responsabilité, et laisse une trace plus durable dans la mémoire.

Ses limites sont réelles. Une participation trop guidée devient une animation : le public exécute sans rien décider. Une participation trop ouverte peut se diluer dans l'anecdote. Il y a aussi ceux qui n'osent pas, ou ne veulent pas, participer : une œuvre réussie leur laisse une place, même en retrait. Le bon critère reste le même que pour toute œuvre : ce que la participation fait comprendre ou ressentir que la simple contemplation n'aurait pas permis.

Ces questions se posent avec une acuité particulière pour les plus jeunes, qui entrent souvent dans l'art par le geste ; notre article sur faire découvrir une œuvre à un enfant en donne des pistes concrètes.

Une œuvre qui se compose avec vous : SONAR

SONAR, l'œuvre II de Nyraël, repose sur ce principe de composition. Le visiteur choisit parmi des créatures de la terre, de l'air et de l'océan celle qui formera le corps de sa chimère, l'assemble, puis compose avec elle : dans l'espace sonore, la ligne du sonar fait sonner ses notes à chaque tour.

La participation ne s'arrête pas à la création individuelle. Chaque chimère rejoint un peuple, celui des visiteurs qui résonnent comme lui, et l'œuvre prend forme à mesure que d'autres y entrent. Casque recommandé ; un profil tiré de la chimère ou de la composition peut être reçu, si le visiteur le choisit.